Tutoriales Artland

Color con Rotuladores

2008-08-08T14:42:00.001+02:00

Materiales utilizados:

- Papel de dibujo
- Lápiz de mina blanda
- Rotrings
- Rotuladores, en mi caso usé la marca Promarker que tiene ofertas chulas de mes en cuando, y todos muy claritos lo cual es de agradecer para que los tonos no te queden muy cantosos jeje, aunque en esta ocasión yo he combinado estos rotuladores con otros que no recuerdo la marca pero que tienen colores mucho más intensos.
- Papel secante de cocina (Colhogaaaaaaaaaaaaarrrr, color de hogaaaaaaaaaaarrrrr!!!)
- Folios de prueba

PASO 1

Bueno lo primero es lo primero, tener una ilustración preparada, en mi caso, preparé un boceto con fondo y todo, y después lo entinté “provisionalmente” con los rotrings.

PASO 2

Con el lápiz de mina blanda, hago un estudio previo de luces y sombras, para tener claro como va a ir el rollo de la iluminación y demás.

PASO 3

Una vez preparado el dibujo, comienzo a meter COLORES CLAROS, que luego pueda oscurecer sin problema, si lo hago al revés, no podré aclarar los colores oscuros, por eso en este caso y a menos que lo tengas muy muy muy claro, es mejor ir de tonos claros sencillos a tonos oscuros e intensos.

Cuando empecéis con los colores por muy claros que sean siempre conviene probarlos antes en el folio de prueba, te evita sustos… XD!!!

PASO 4
Una vez tenemos situados lo tonos más básicos, empezamos a detallar, metiendo las luces y sombras más marcadas.

PASO 5

Una vez que ya el dibujo va tomando forma, le metemos los tonos intermedios que son para detallas, matizar, dar efectillos, texturas… por ejemplo para hacer un degradado lo que suelo hacer es utilizar el papel secante de cocina, o un clínex o algo así, lo pinto con el color que quiero, lo pruebo en el folio de prueba y si me gusta, proceso a utilizarlo en el dibujo, arrastrándolo por la parte en donde quiero que vaya ese color, o presionando poco a poco como si fuese una esponja… todo depende del efecto o textura que queráis simular…

Para esto también se utilizan mucho los rotuladores gastados con poco color, dan unas texturas muy interesantes y no marcan tanto el color como uno nuevecito jeje.

En fin, espero que os haya servido y que os pique la curiosidad por probar estos materiales, un besote para todos y mis mejores deseos (deseo ser famosa y forrarme de pasta)

Tutorial por: Lithium-Flower

TUTORIAL DE MOTIVOS Y TEXTURAS DEL TITO JUD!

2007-12-23T04:48:00.000+01:00

Tutorial by: Judson

Efectos, luces y texturas en Photoshop, por Beni R. Lobel

2007-10-10T17:11:00.000+02:00

Colabora con ArtLand

2007-10-02T17:37:00.000+02:00

Colaboraciones Artland!!
En Artland queremos dar la oportunidad a todos nuestros usuarios de dar su opinión, y de participar activamente en la publicación de los artículos que irán apareciendo en la web.
¿Quieres publicar algún artículo de opinión? ¿Has visitado recientemente alguna exposición y te gustaría publicar una crónica? ¿Quieres enviarnos alguna noticia?
Todo cuanto nos quieras enviar será bienvenido, y lo publicaremos.
Antes de enviarnos cualquier material, lee atentamente las condiciones siguientes.

Todos los artículos deberán estar escritos correctamente y con buena ortografía, no requerimos un estilo muy depurado, pero si algo que sea correcto.

Podrás escribir sobre lo que quieras, mientras tenga relación con el dibujo (comic, ilustración, pintura, animación, etc...) y podrá estar acompañado de alguna foto.

Aunque aceptamos artículos de opinión, cualquier artículo que contenga material ofensivo, de cualquiera de las formas posibles, no será publicado.

Los artículos serán publicados tal y como estén redactados por el autor, y se firmarán con su nombre o nick por lo que deberéis indicarlo.

Ya que cabe la posibilidad de que recibamos varios artículos sobre el mismo tema, nos reservamos el derecho a no publicar alguno de ellos.

Todo el material deberá ser enviado a artlandweb@gmail.com.

Si los artículos, noticias o comentarios recibidos no cumplen estas normas, que por otro lado consideramos las mínimas, sintiéndolo mucho, no serán publicados en la web. Para enviarnos cualquier material puedes escribir a artlandweb@gmail.com o utilizar el este formulario.

Anatomía (Básico)

2007-07-01T22:39:00.000+02:00

En los tres primeros gráficos, se puede observar, que para dibujar una Figura humana masculina, se toma como unidad ,a la cabeza de dicha figura. Trasladando esta unidad , la llamada figura "clásica "o "académica" tiene una altura de ocho cabezas. Lo importante de Esta parte, es que hasta que se conozcan detalles de la anatomía Propiamente dicha, como ser la ubicación de los grupos musculares Principales ;se deberá simplificar la figura humana convirtiéndola en un "muñeco" como se ve en el dibujo número 4. Este método nos Permitirá comenzar a comprender el concepto de construcción de Estructuras, que es la base de todo dibujo.

nota :la variación de la medida de unidad , y su ubicación en la Totalidad de la figura - más adelante y manejando los conceptos de Construcción- nos permitirá la creación de caracteres y personajes.

Para la figura femenina , también utilizamos la cabeza como unidad de referencia(medida). En este caso tenemos una figura de 8 cabezas. Debemos tener en cuenta algunos detalles, para la construcción de este cannon de figura .

Se debe aclarar que las siguientes consideraciones son viables a este tipo de estructura ,-más clásica y "académica "- de las que tal vez se vean en los comics actualmente. la variación controlada de estas convenciones nos ayudara en la búsqueda de características propias de los personajes que podamos crear.
En estos dos grupos de dibujos, vemos el proceso descripto en las lecciones anteriores, pero esta vez utilizándolo en el plantado de una página de comics completa.

Obsérvese el uso de las líneas "externas" para delimitar los espacios que contendrán las estructuras que luego serán las figuras terminadas. Dichas líneas, acompañan el movimiento general y la postura buscada de la figura a dibujar.

Uno de los métodos para adquirir el uso de esas líneas de contención y movimiento; es el trabajo de croquis y bocetos, con modelo vivo.

Sea la estética que sea (manga, super- héroes ,línea clara ,etc.) es de vital importancia el ejercicio de croquis con modelo vivo. La diferencia se apreciara con el tiempo.

-la figura femenina es relativamente estrecha :dos cabezas es el punto más ancho (hombros.)

-la línea de cintura mide una unidad de cabeza a lo ancho.

-las muñecas están al nivel de la cruz inguinal.

-el codo está más alto que el ombligo.

-todas estas apreciaciones son aplicables a una mujer cuya estatura media es de 1 m 73 cm.

nota : Un ejercicio práctico, es encontrar la estructura que sostiene este cuerpo femenino; o sea dibujar el "muñeco", como en la lección anterior.

En este dibujo tenemos desarrollada una escala de crecimiento de la figura humana.

Ee observará que se toma como referente la figura de un joven de 15 años, con la métrica de proporciones clásicas de un adulto de 8 cabezas, por lo que al dibujar un adulto de mayor talla y estatura deberemos ya salir de las convenciones antes utilizadas y dibujar una estructura mayor a 8 cabezas.

Variacion metrica de la figura

Como se puede observar en estos dibujos, la figura utilizada mide 9 cabezas, y pertenece a un estilo más cercano al manga. Aquí, ya se puede empezar a hablar de la variación de una métrica en busca de la creación de un personaje; dicha métrica se debe mantener, para poder mover y trasladar ese personaje de forma coherente, o sea que al dibujarlo en las vistas que se encuentre, siempre conserve sus proporciones.

nota : el nombre del personaje utilizado en este ejercicio, es raoul, y pertenece a la mini-serie llamada "codename: BABETOOL" editada por Mutant Comics y publicado en Inglaterra y Usa por Comx comics, en formato de graphic novel de 100 páginas.

Busqeda de estructuras

Este dibujo conforma una serie de tres, en los cuales podremos ver el proceso -de manera simplificada- para la construcción de un pin-up o ilustración unitaria.

Como primer paso, buscamos la postura de las figuras a partir de un boceto realizado en lápiz cyan,* o en su defecto celeste. En esta primera instancia se buscara construir "el muñeco " para afianzar las estructuras que luego sostendrán los detalles anatómicos , detalles que iremos descubriendo con el paso de las lecciones de esta pequeña clínica; pero lo fundamental y primordial es entender que el primer paso es el trabajo con las estructuras ,que colocadas de manera idónea (después de mucha practica ) sustentaran todo lo demás.

*El lápiz cyan o celeste, se esta volviendo cada vez más popular entre los dibujantes, ya que posibilita un desarrollo fluido y sobre todo limpio, a la hora de plantar estructuras y delinear bocetos. Es de total uso en el campo de el dibujo animado, ya que tanto, los layout artists como los intermediadores utilizan sus servicios.

En este segundo paso, ya vemos la figura con un poco más de detalles; todos sustentados en la estructura que en el paso anterior "plantamos ". Obsérvese el detalle del brazo derecho de el personaje principal (babetool).

Allí se puede apreciar que aún no hay una postura definida y definitiva para este miembro; por lo que se ve de la manera presentada (aun no es el dibujo definitivo; listo para el proceso de entintado).

nota :después de plantar la estructura de la figura en lápiz celeste ,sobre un tablero de calco, procedí a dibujar sobre otro papel y con lápiz negro, la figura de la que hablamos en este apartado.

El uso de tablero de calco, es otro sistema de uso muy común entre los profesionales de el medio. A trasluz se dibuja sobre un papel en blanco, la ilustración en detalle, utilizando la transparencia de el dibujo anterior, como sustento y colocado debajo.

Este es el tercer y último dibujo del proceso antes iniciado. Como podrá observarse, el dibujo ya ha sido sometido al entintado (línea modulada para las figuras y líneas sin volumen para el fondo o background).

Luego de las tintas, la ilustración, fue dotada de valores de volumen y tono-luz, sombra y color-, a través de la aplicación de tramas mecánicas transferibles, en un proceso de tres capas.

Músculos del Torax y Abdomen

El tronco es la parte del cuerpo comprendida entre los hombros y la pelvis.

En el tronco hay dos partes fundamentales: tórax y abdomen.

Los músculos principales del tórax son los pectorales, músculos grandes que al contraerse levantan los brazos; y los serratos , que elevan las costillas cuando expulsamos el aire.

La parte inferior del tronco es el abdomen , también llamada cavidad abdominal y contiene órganos tan importantes como el estómago, el hígado y el intestino; tanto el abdominal mayor como la porción del recto abdominal bajo conforman una protección a estas vitales partes.

El recto (abdominal) es un músculo largo que además de recubrir y proteger el bajo vientre, cuando se contrae permite que podamos doblar la cintura.

Músculos del brazo.

En este apunte vemos los grupos musculares que conforman la anatomía de los brazos.

El deltoides forma al hombro en tres gajos de músculos se separa en su parte superior del trapecio (por medio de el hueso de la clavícula )se une en su base con el bicep y el tricep -formado por un grupo muscular de dos pequeños músculos- - que envuelven al brazo por detrás y de manera lateral.

El flexor envuelve al antebrazo de manera lateral y externa.

En los tres dibujos de la parte inferior de esta lección, veremos tres figuras con sus brazos , con una determinada simplificación a cada caso:

*la primera figura corresponde a un brazo de dimensiones más normales.

*la segunda figura posee un brazo con una simplificación de volumen, tal como si estuviera enfundado en un traje ceñido. en el dibujo de el brazo recuadrado , veremos una simplificación de línea con sus encastres correspondientes .

*la tercera figura es una mujer, y como tal ,las líneas que delimitan su contorno deben ser suaves y sin demasiado volumen.

Músculos de la Espalda

Continuamos con un tema fundamental - los músculos- en este caso puntual, los de la espalda.

Para el trabajo óptimo con esta parte de las lecciones, es recomendable hacer uso de los consejos vertidos en el capítulo anterior. Obsérvese con atención el pequeño croquis de el sector lateral derecho de este dibujo, donde veremos de manera simplificada los encastres de los principales grupos musculares. Estos encastres existen tanto en los individuos de gran desarrollo muscular, como en los que no lo poseen.

Músculos de las Piernas

En este apunte podemos ver los principales grupos musculares que conforman a las piernas, en una vista frontal y en una lateral trasera.

Es de vital importancia, el dominio absoluto de este tema para todos aquellos que quieran ganar un lugar en el competitivo mercado de comics de super-heroes Usa.

(es altamente recomendable la práctica hasta el cansancio de bocetos tomados de revistas de fisicoculturismo y musculación. donde se podrá apreciar en detalle el desarrollo muscular, que estudiado y simplificado nos será de vital importancia a nuestros finess).

En el muslo y en las piernas en sí, tenemos huesos largos y resistentes que soportan todo el peso del cuerpo.
Los músculos que recubren esos huesos son también fuertes y poderosos.

Recubriendo la pelvis, se encuentran os glúteos, que forman las nalgas. Gracias al desarrollo de los glúteos, el ser humano es capaz de caminar sobre dos piernas.

En el muslo , hay unos músculos llamados aductores ; por su parte superior , se unen a los huesos d la pelvis y por la inferior, al fémur. Su función es la de permitir la flexión y extensión del muslo.

En la parte anterior del muslo mismo, se halla también el cuadríceps , el músculo más poderoso del cuerpo humano. Está formado por cuatro músculos, que unen la pelvis y el fémur con la rótula y la tibia.

Como sucede con el bíceps y el tríceps en el antebrazo, también el cuadríceps tiene su músculo antagónico.

Se llama bíceps femoral.

En la pantorrilla se hallan los músculos gemelos: realizan la flexión y la extensión del pie cuando caminamos. Los gemelos se unen al hueso del talón del pie, través de un tendón muy grande llamado tendón de aquiles.

Observemos el gráfico final de esta lección ; allí podremos ver la simplificación de curvas que dan forma externa a la pierna dibujada. Esas curvas y contracurvas acompañan la forma o disposición de postura de los huesos que sostienen a los músculos (fémur, rótula, tibia y peroné).

Tutotial by: http://www.walthertaborda.com.ar/

Pintura digital paso a paso

2007-04-01T14:58:00.000+02:00

Aunque esto no es exactamente un tutorial, puede ser muy util para comprender el proceso de trabajo en la pintura digital. Podéis descargaros las imágenes y verlas creandose paso a paso. Tan sólo hace falta un programa para descomprimir archivos en ZIP (como el WinZip o el WinRar.

By Darren Frodsham

Efectos y texturas con Painter y Photoshop 2ª Parte

2007-02-16T16:52:00.000+01:00

En este segundo capítulo colorearemos otra ilustración de Drunk Monkey para aclarar puntos del apartado anterior. Os recuerdo que en la siguiente web se dan consejos muy útiles sobre como colorear por ordenador de manera metódica y elegante:

http://benilobel.atspace.com/making.html

Pero vayamos al dibujo. Vamos a llevarlo a painter, y allí le pondremos el color plano con Acrylics como ya hicimos en el ejercicio anterior con oleos. Iremos tomando colores de la misma gama ya que se trata de otra imagen de la misma escena. En su momento no lo hicimos, pero esta vez guardaremos una paleta con los colores que hemos utilizado para poder re-utilizarlos en el tercer capítulo. En la persiana colors, en el apartado “Color Sets” le daremos a la flecha de la derecha y luego “New Empty Color Set”, después le daremos al icono de la paleta con el signo + para añadir los colores que vamos usando.

Listo, con acrilicos los degradados son casi tan fáciles de hacer como el color plano, así que al poner el color plano con acrílicos hemos adelantado un poco de faena.Oscureceremos la imagen con el sistema: Layers,Dynamic plugins y Brightness and Contrast. Es el modo más útil, aunque queda menos artístico que en el sistema explicado en el episodio anterior. El problema de este sistema es que no puedes hacerlo en sólo una selección, para hacerlo en una selección usaremos el sistema:Effects, Tonal Control y Brightness - contrastAsí mataremos el color del fantasma y del fondo.Haremos algún detalle en acuarelas en las texturas metálicas. Para hacer brillos de pastels sobre la acuarela,o cualquier otro efecto, crearemos una nueva capa, esta de papel normal, sobre la capa de acuarela. Le bajaremos la opacidad a la capa de los pasteles, y volveremos a poner la capa de tinta encima de la de los pasteles.

Con aquarelas haremos también un efecto Niebla a los pies del demonio y algunas salpicaduras sobre la armadura. La niebla la haremos en una capa a la que le bajaremos la opacidad.Miremos un momento la sección windows. Allí sale el listado de todas las persianas que podemos poner (show)o quitar (hide), la de las capas es la persiana Layers.Ahora vayamos con el demonio al photoshop para los retoques finales.Le pondremos el foco de luz al fantasma, lo seleccionamos y le damos a:Filter, Render, Lens Flare (no se exactamente como se llama en la versión española)Allí nos sale un recuadro con la imagen seleccionada, ponemos el punto de luz donde nos interesa, en la cara del fantasma, luego elegimos el tipo de foco que queremos, el 50-300mm Zoom, y le damos la intensidad que queramos, 145%.

Vamos a ponerle un fondo al dibujo. Buscaré una foto del interior de una catedral gótica. No es un buen recurso mezclar dibujo con foto real, salvo en publicidad, de todas formas es bueno tener una biblioteca con documentación de cara a buscar texturas, colores o modelos para dibujar. La copiaremos, si está en varias capas, lo copiamos dándole a “copiar mezclado”, o si nos interesa sólo una capa determinada, elegimos la capa y le damos a “copiar” Seleccionamos el fondo lila, y pegamos dentro la foto, disimularemos la foto, retocándole el brillo y contraste para que quede parecido, y si la foto es oscura, en modo de capa le ponemos Luminosidad para que quede lila. Finalmente lo desenfocaremos para que no llame demasiado la atención.Vayamos ahora a las herramientas “sobreexponer” y “subexponer”, en la barra de herramientas, encima de la herramienta de texto hay una herramienta despegable que puede ser una mano (subexponer), un chupachups negro (sobreexponer) o una esponja (saturar – desaturar). Usaremos subexponer y sobrexponer para dar volumen.

El dibujo está ya muy recargado, no debería tocarse más, sin embargo vamos a hacer un poco de repaso de photoshop. Vamos a invertir los colores de lo que está fuera de la viñeta. Para ello, seleccionamos la viñeta con demonio incluído, le damos a: Selección – invertir, copiamos la selección, y la pegamos como una capa en modo Oscurecer. Luego vamos a: Ajustes – invertirPara crear capas, en la persiana capas, hay que darle al icono que es una página con un pliegue.Arreglaremos los bordes dentados de la viñeta, escogiendo con la herramienta pipeta el color negro, y pintando sobre los bordes. Ahora iluminaremos el emblema de la hombrera del demonio, seleccionamos lo negro con la varita y luego sobre otra capa pintamos de rojo fuego primero, y luego de blanco con poca intensidad con un pincel difuminado. Luego repasamos en rojo alrededor para iluminar la hombrera.

Así queda, muy americano verdad?Para mejorarlo, deberíamos retocar el fantasma con la herramienta subexponer.En fin, esto es todo. No olvidemos grabar la paleta que hemos utilizado en painter, yendo a la persiana de color:Colors Sets, flecha derecha, save color sets.Lo grabaremos en el subdirectorio con el que trabajamos estos dibujos con un nombre, por ejemplo:Drunk Monkey.pcs Esto es todo por hoy, hasta la próxima.

Tutorial by : Miguel Díaz

Efectos y texturas con Painter y Photoshop

2006-11-23T00:03:00.000+01:00

	Haremos unas pruebas con un dibujo de Drunk Monkey. Hemos escaneado la página en blanco y negro, y la tenemos en el Painter, lo tenemos seleccionado como “Modo Escala de Grises”, para colorearlo lo pasaremos a modo CMYK o RGB según si lo queremos para imprimir o para pantalla de ordenador. Para ello le damos a: Canvas – Color Manegement. Y ahí podemos modificarlo. De todas formas, recomiendo hacer el escaneo en photoshop. Guardar el archivo como TIFF y cargarlo en Painter luego.
	Ya hemos puesto el color plano, en este caso es color de óleo. Me gusta como queda el óleo, por la textura rugosa, y por como se mezclan los colores. Aunque aun no hayamos acabado el coloreado, faltan los matices, Le colocaremos algún efecto. Los efectos especiales de Painter están como la herramienta FX. Si en el modo le ponemos Fairy Dust, podremos usar el pincel para hacer el efecto Polvo de Hada. De todas formas, la mejor manera de hacer efectos especiales, es llevarlo a photoshop. En photoshop seleccionaremos el suelo, iremos al apartado “Efectos, i allí a Render, haremos un efecto de luces.
	Volvamos a cargar la imagen en Painter, vamos a oscurecer los personajes, porque el fondo lo hemos puesto oscuro. Se puede hacer poniendo una capa encima que lo haga gris. Como el primer término está en tonos rojos, y el segundo término en lila, pondremos la capa en verde grisaceo, lo haremos seleccionandolo todo menos el fondo, pondremos una nueva capa en papel de acuarela en modo Gel, seleccionaremos la herramienta Watercolors y con el modo “Sponge” oscureceremos los personajes, a la vez que le daremos un aspecto sucio. Iremos al Photoshop para los brillos. Yo peco de usar el efecto “foco de luz”, es facil de usar, pero no hay que abusar porque los diseñadores gráficos lo odian. Seleccionamos los personajes sin el fondo, vamos a Filtros, render y Foco de luz, elijo el del aura roja y lo coloco en la cabeza del fantasma.Otra forma más elegante de poner brillos en Photoshop es un tipo de pincel en forma de estrella que hay, con el color blanco pondremos alguno
	En painter una manera de poner brillos, es con la herramienta Pastels. Elegimos un modo duro, y con blanco hacemos el brillo de las texturas, sobre una capa normal con la opacidad un poco bajada. Luego nos ponemos sobre la capa principal, seleccionamos el negro con la varita, lo copiamos y lo pegamos como capa superior, para recuperar los trazos de tinta. Otra herramienta útil sería el airbrush. Lo usaremos para poner tonalidades de color más claras de las texturas, lo haremos en una capa aparte, con la opacidad un poco bajada. En photoshop, una forma rápida de hacer brillos y sombras, son las herramientas Subexponer (una mano boca abajo) y sobreexponer (un chupachups negro), usaremos la herramienta Sobreexponer para hacer algunos efectos más en las texturas metálicas. Pediremos que actúe sobre las texturas luminosas. Tampoco hay que abusar de estas herramientas ya que queman los colores.
	Así queda, la verdad es que es una horterada, me recuerdan a las ilustraciones de Image, pero lo importante aquí era mostrar como se pueden hacer efectos. Podríamos mejorar el dibujo por photoshop oscureciendo las zonas de sombra con la herramienta subexponer, con campo de acción sombras, y una presión baja. En Painter, podríamos poner una capa nueva de acuarela encima de todo, donde con el modo Sponge de Watercolors, en tono verde, podríamos oscurecer las zonas de sombra. Hay una pieza de oro que por error la he pintado de madera, en photoshop podemos arreglarlo pintando de dorado en una capa nueva en modo “color”, luego, volvemos a poner la tinta sobre el dibujo. Después, con la herramienta sobreexponer, aclaramos el “trozo de madera” Esto es todo por hoy. Hasta la próxima.

Tutorial by : Miguel Díaz

Perspectiva 3 (medio-alto)

2006-09-06T20:43:00.000+02:00

Este es el tercer tutorial de una serie de cuatro que tratarán sobre la perspectiva. Si no has leído los anteriores, pasate por aquí para repasar el primero y por aquí para el segundo.
Para complicarlo un poco mas, tenemos la perspectiva de tres puntos o Persperctiva aérea.
En una perspectiva de tres puntos los elementos que aparecen son los mismos, pero en vez de dos puntos de fuga, tendremos obviamente 3, es decir:

La Línea del Horizonte
Líneas de Fuga
3 Puntos de Fuga

En la figura 1 podemos ver claramente el funcionamiento de los tres puntos.
Figura 1.

Dos de ellos se mantienen en el horizonte, tal y como hemos visto en la perspectica de dos puntos, pero el tercero, se situa en un punto aleatorio por encima o por debajo del horizonte, por lo tanto, ya no dibujaremos ninguna línea paralela. Las líneas que dibujabamos perpendiculares al horizonte, ahora fugaran hacia el tercer punto de fuga crando la sensación de altura.

En la siguiente ilustración, podemos comprovar como funciona una perspectiva de tres puntos

Tanto el horizonte, como los puntos de fuga quedan fuera de escena, pero todos las líneas de fuga se dirigen a ellos.Para poder dibujar perspectivas en las que los puntos de fuga se nos salen del papel, podemos enganchar un par de hojas en los lados del folio en el que estamos dibujando.

Este tipo de perspectivas no se suele utilizar demasiado en pintura o ilustración, pero en cómic es muy utilizado ya que puede dar una sensación de altura muy util en algunos planos de acción, o para remarcar la intención de algunas escenas.

Si tenemos en cuenta todo lo explicado en los anteriores tutoriales de perspectiva, no nos costará nada dibujar cualquier escena con perspectiva aérea. Como ejercicio, se puede intentar dibujar un escenario visto desde las alturas, tal y como aparece en el ejemplo anterior, tratando de introducir todos los elementos posibles para poner a prueba nuestros conocimientos.

Tutorial por Beni R. Lobel

Recopilación de Técnicas de Hudson (por Hudson, obviamente)

2006-08-19T04:44:00.000+02:00

El amigo Hudson, nos ha ofrecido esta incleible recopilación de trucos para colorear con photoshop...

Siempre voy a hablar del photoshop pero en otro tipo de programas también podéis encontrar opciones similares.

En el Photoshop tenéis dentro de la opción filtros la opción brillo (lens flare) pero este efecto queda muy artificial y a mí sólo me gusta utilizarlo en contadas ocasiones... y más que nada para representar soles...

El efecto que queda realmente chulo para dar brillos es aplicar una especie de fulgor...para ello seguiremos estos pasos.

Sobre la capa de color crearemos dos capas superpuestas:

1) Una capa estilo color burn, además a esta capa le aplicaremos un estilo de capa (layer stiyle) de brillo externo (outer glow) del color que queramos, en el ejemplo amarillo.
2) Otra capa overlay con el mismo estilo de capa brillo externo...
En ambas capas aplicaremos un ligero toque de aerógrafo modulando su presión, a un porcentaje menor 38% por ejemplo tanto en presión como en opacidad.
Y el resultado es el que veréis en el fuego de esta ilustración, pero el mismo efecto se puede utilizar para destellos de todo tipo, y es un efecto muy utilizado en Marvel...

Bueno os pongo un efecto muy resultón....
Debemos tener un dibujo con degradados, este dibujo lo hice con una técnica mixta, bolígrafo negro (gracias Jaco maestro), y difuminados a lapicero... hay varias maneras de crear ese efecto rojizo, en este caso lo que hice fue con las opciones de capa (layer style) utilizar la de color overlay... y cambiar la opacidad, bueno las paredes tienen unas pequeñas texturas ( la única vez que las he utilizado en un dibujo...).

Un dibujo con degradados se puede colorear como un dibujo plano sólo entintado... es decir podemos colorear todo lo que os imagineis, os lo digo por que yo al principio creía que sólo se podían colorear dibujos planos (cuando empecé con esto me refiero...)

Para eso sirven las capas... en especial las capas con el efecto multiplicar, mediante las cuales podemos colorear sin "comernos" el dibujo que tenemos debajo...
Si quereis os comento un poco por encima la historia de las capas...

Capas:
Para trabajar con capas imaginaos varios planos superpuestos:
1) En el primero tenemos tu dibujo tal cual en blanco y negro.

2) Debes tener activas varias ventanas no?, a la izquierda tienes todas las herramientas de dibujo y a la izquierda debes tener 4 o 5 más, bien pues debes tener una abierta en la que ponga layers o capas...esta a su vez tiene tres pestañas y tu tienes que tener abierta esta que te digo de capas... justo debajo tienes un pequeño botón en el que pone create a new layer (crear una nueva capa)... atízale.

3) Ahora observarás que tienes dos capas, una con tu dibujo y encima otra distinta ( new layer ), Ok pues a su vez verás dentro de la ventana de capas arriba a la izquierda una pestaña desplegable en la que pone normal... atiza a la flecha y se despliega un submenú ok... podemos escoger un montón de tipos de capas...pero vamos a la más importante, capa multiplicar, multiply...atízala.

4) Ok ahora selecciona la capa multilplicar pinchando sobre ella con el ratón... una vez has hecho esto colorea encima de tu dibujo... verás que puedes colorear por encima de las líneas negras de entintado sin "comértelas"...magia del photoshop ... Ahora colorea de nuevo tu dibujo y súbelo...si tienes cualquier duda ya sabes me lo dices...

Ejemplo de coloreado:
1º Con la imagen abierta cambiamos los niveles para eliminar tonos grises y azules en este caso.

2º Seleccionamos tonos negros cortamos y pegamos en nueva capa.

3º Coloreamos con colores planos toda la figura (como en el cole con los rotuladores carioca ). Le aplicamos sombras según incida la luz y le aclaramos algunas zonas con la herramienta lazo y oscurecemos otras todo con la herramienta sobreexponer.

4º El fondo es un fondo rojo en el que he aplicado la herramienta sobreexponer con un pincel seco (dry) en este caso soft oil pastel modificado para dejar espacios...

5º Le abro una capa en modo color dodge y le aplico el efecto de capa destello externo, luego con el aerógrafo le aplico destellos en este caso en los disparos...

2ºColoreado por pasos:

Os subo un coloreado en su primer paso... Vereis tengo una ilustración por dibujar pero cuando lo subió KrOsPy al hilo de entintado no me pude reprimir, YO tenia que colorear eso como sea... (por cierto me reservo la página del comic para otra ocasión...)

Vereis este es el primer paso que hago para colorear, en este caso en tres capas,
1.- El fondo
2.-Spawn y el caballo
3.- El primer plano con los zombis

...todo ello está coloreado con colores planos sin degradados como vereis...Luego le aplico degradados y brillos (eneste caso muuuuuuchos "efectos especiales, queda un poco cantoso ya vereis... ).

He visto el coloreado original y la verdad es que no tiene nada que ver con el mío, estoy experimentando mucho últimamente con el color sobre todo con el cambio de pinceles...el mío es un poco más "hortera" pero bueno...

...espero que entendais mi influencia comic book total, este es un coloreado buscando la espectacularidad (muy image), siempre me apetece este tipo de cosas pero con las ilustraciones de Conan me tengo que retener un poco, por eso me apetecía experimentar y hacer cosas un poco espectaculares con el dibujo...supongo que no es del gusto de todos...pero para gustos colores y nunca mejor dicho...

Si alguien quiere una versión ampliada que me lo pida por correo, es una pena que no os lo pueda enseñar en todo su "esplendor".

El dibujo a continuación está realizado con Photoshop... el pincel es dentro de dry media brushes (pinceles secos o algo así) soft oil pastel (óleo y pastel suave podría ser)... luego le aplico una textura de canvas (lienzo), y al final le aplico un filtro paint daubs dentro de artistic (debe ser arrepentimientos o algo parecido)...

El siguienteestá todo realizado con dry brushes, en concreto soft oil pastel y pastel on charcol paper (queda más chulo con el primero...) y luego utilizando el dual brush connsigo un pincel que deja un efecto granulado ( no se explicarlo muy bien.. lo que quiero decir es que pintas dejando espacios.. queda un efecto muy chulo pero para darle " el toque " le metes un filtro de enfoque en concreto el que puedes configurar unsharp mask, si lo que quieres es enfocar sólo ciertas partes del dibujo puedes utilizar la herramienta de enfoque ( junto a la de desenfoque y el dedo ).

Una vez lo tienes todo le metes una textura de canvas (lienzo) para ensuciar todo un poquillo, también está bien meterle algo de grano aunque en este caso no lo he hecho...

Además suelo cambiar el modo del pincel utilizo los modos screen y color dodge para realizar brillos...

En el fondo también he hecho líneas a modo de raspado con la herramienta sobreexponer highlights...

A ver si me sale un buen dibujo de línea algún día al que poder aplicar todas estas técnicas, si no lo tendré que pedir prestado...

Lo siguiente es una textura llamada canvas (lienzo), pero antes le he dado un filtro de enfoque para acentuar las "pinceladas", y a su vez antes de esto le he pasado el dedo con un pincel seco (consejo de Olijos)... el pincel utilizado es el normal (sin difuminado, y cambiando la opacidad) utilizando el dual brushes con un pincel óleo y variando los parámetros.
Espero que te ayude en algo , pero ya sabes que es cuestión de probar.

En la pestaña de brushes, en la esquina superior derecha, si pinchais se expande un menu en el cual tenemos una opción llamada dual brush, con la cual mezclamos brochas y tocando en los parámetros de abajo podemos diseñar las brochas a nuestro gusto... pues bien yo suelo escoger una brocha redondeada y achatada y moviendo los parámetros de abajo consigo una brocha que deja un efecto de punteo... según variemos el propio grosor de la brocha conseguiremos un granulado distinto, para dar efecto de arenisca utilizo un grosor pequeño... juego con la brocha normal o con la opción de color dodge para ilumuinar las zonas... después para finalizar le doy el "toque" utilizando un efecto de enfoque. El fondo es igual pero con un grosor de brocha superior. Como vereis está chupado y el efecto queda resultón...
Eso es todo espero que os pueda ayudar en futuras creaciones, os recomiendo que juqueis con las brochas para ahorraros trabajo, crear texturas y darle un efecto más artístico a vuestras ilustraciones.

Técnicas pictóricas en Photoshop.

Buenas, como veo que siempre os preguntáis como logro el efecto óleo en mis dibujos voy a hacer un tutorial en el que os explico cómo podéis jugar con las brochas en Photoshop.

Lo primero y más importante es que tenéis que tener una buena tableta gráfica os recomiendo una wacom. Eso si para ser la primera no os gastéis muchos euros, empezad por el modelo graphire, ya habrá tiempo de que os metáis en algo mejor...( yo ya babeo por una intuos...).

Otra cosa importante es el modo de ver este programa, no lo veáis como algo frío, en el que sólo se puede colorear siguiendo unos pasos determinados de manera mecánica... no esto está para experimentar y pasárselo bien, es una herramienta creativa como un estuche de rotuladores o un carboncillo... se puede hacer una obra de arte con una tiza, pero esto es como una navaja multiusos hay millones de formas de exprimir vuestra creatividad y yo no estoy aquí para deciros cómo, lo tenéis que descubrir vosotros mismos perdiéndole el miedo y experimentando...

Antes de nada deciros que es muy importante que juquéis con la presión y la opacidad de los pinceles, para ello debéis utilizar las dos pestañas que están en la parte superior de la pantalla. Yosuelo ponerlo al 50% o así...

1) Bueno empezamos por los pinceles, en la esquina, superior izquierda podréis ver el menú desplegable con distintos tipos de pincel, aquí es donde os aparecerán los pinceles que podamos crear, además tenéis una buena colección de pinceles entre los que se encuentra el que he utilizado para crear la imagen que os pongo debajo, eso si con ligeras modificaciones, se llama texture with brush.

(imagen realizada con texture with brush ,modificado)

2) Justo a la derecha podremos ver otra ventana en la que se despliegan distintos tipos de pincel, en esta podremos observar el trazado del pincel, Photoshop utiliza una serie de brochas por defecto pero podremos cambiarla por otro tipo de brochas entre las que se encuentran las dry brushes (brochas secas) y en ellas está soft oil pastel, una de las más utilizo... con dichas brochas podremos jugar a crear todo tipo de texturas y efectos a nuestro antojo.

3) En dicha ventana podremos cambiar distintos parámetros para modificar el pincel a nuestro gusto.

-Shape Dinamics: Dentro de esta opción podemos cambiar el control del pincel, yo suelo poner pen pressure.
- Scattering.
- Texture: Interesante opción, podremos dar texturas a nuestros pinceles.
- Dual Brush: Importante opción, con ella consigo el efecto terroso, es decir casi puntillista. Veréis que podemos elegir distintos tipos de pincel, pues yo escojo siempre el 131 luego juego con las pestañas de abajo hasta conseguir el efecto deseado...Aquí lo podréis ver:

- Color Dinamics.
- Other Dinamics.
- Noise.
- Wet edges.
- Airbrush.
- Smoothing
- Protec texture.

Una vez tenemos Nuestro Dibujo podemos mejorar el resultado ensalzando nuestros trazados utilizando distintos filtros, para ello seguiremos los siguientes pasos.

1) Nos vamos al menú filters que está situado en la parte superior de la pantalla, pulsamos y buscamos una pestaña que se llama Sharpen (enfoque) y en el menú desplegable buscamos la opción unsharpen mask, retocaremos la imagen sin exagerar simplemente para darle un toque que realce las pinceladas. Ojo este truco es muy importante, podréis ver como puede llegar a cambiar una imagen con ello, por ejemplo, esta...

2) Otra buena opción es aplicarle un filtro de ruido, (noise), en la pestaña de filtros Noise, Add noise.
Esta es una buena muestra:

3) Por último y como remate podréis aplicar a toda la ilustración o bien a partes de ella (mediante la herramienta lazo y luego difuminando los bordes un poco con el dedo) una textura de lienzo, para ello:
- Filtros: Textureà Texturizerà Canvas (lienzo): os aconsejo que no le deis mucho volumen y que la textura no sea muy pequeña. Aquí os enseño un ejemplillo:

Para finalizar también os aconsejo que utilicéis la herramienta de dedo para difuminar los bordes de vuestras imágenes y para cohesionar los colores.
Espero que esta parrafada pueda seros útil en el futuro, sin más se despide el inefable tito Jud.

TUTORIAL BY HUDSON

Tutorial de Photoshop Por Hudson

2006-08-18T02:28:00.000+02:00

Hola, soy Hudson, bienvenid@s al tutorial de Xperman. En esta serie de tutoriales voy a hablaros del coloreado de vuestros dibujos con el programa Photoshop, empezaremos por lo más básico y luego aprenderemos unos cuantos trucos q os convertirán en unos maestros del susodicho programa.

Este tutorial está realizado sobre una ilustración de Jacobo Navarro, la última incorporación a la galería Xperman. Por supuesto esta ilustración pertenece a su autor y voy a tratar de que el resultado a color final quede a su altura… ( eso espero^_^U)

A) Elementos necesarios para convertirse en un maestro en el arte digital ( que pedante me ha quedado…).

Un ordenador ( obvio verdad ), os recomiendo una buena tarjeta gráfica, y memoria, mucha memoria ram… yo he llegado a trabajar con un amd a 300mhzs, con una banshee y 64 megas de ram… y photoshop 4.0.

Un escáner… los hay baratos y os evitarán problemas… yo tengo un Hacer ( de los más baratillos del mercado ) y no he tenido problemas de ningún tipo.

Una impresora… los dibujos una vez coloreados son impactantes, aunque este elemento es opcional…

Una versión de Photoshop… el tutorial está realizada con la 5.5 he probado la 6.0 y tiene alguna opción más, el motor del programa es más rápido… pero soy un tío de costumbres, ya cambiaré uno de estos días… XDDDDDD.

B) Nuestros primeros pasos con el programa.

Bueno, a continuación os voy a hablar de las ventanas ( están en las opciones de la parte superior…) del programa:

Herramientas: Bueno, os recomiendo una cosa para iros familiarizando con ellas, poned el ratón encima de cada una de ellas y os irá diciendo el nombre de cada una de ellas… tenéis que quedaros con los nombres porque a partir de ahora los voy a utilizar ¿ok?. También existen dos cuadrados con colores… son el color base y el secundario. El que está encima es el que vamos a aplicar en los dibujos, si pincháis sobre él dos veces se os abrirá una ventana de selección de color, escogéis el tono q os convenga y pulsáis ok.

Navegador: Tenemos tres pestañas: Navegación ( no la utilizo ),info ( tampoco ) y opciones de aerógrafo: esta si… podéis ajustar la presión del aerógrafo, pincel, degradado… me explico… según la herramienta que seleccionemos la podremos configurar aquí…

Historia y acciones: yo no la utilizo… no os compliquéis la vida.

Capas: tres pestañas como antes… capas, canales y trazados… Nos fijamos sólo en las capas… es lo que más cuesta al principio, pero está chupado…

C) Ajustar niveles:

Básico… ¿ qué conseguimos con esto ?: claridad en el dibujo.

Tenemos en las opciones de arriba Imagen, pinchamos y vamos a niveles, ajustar niveles… saldrá una ventana en la que podemos aclarar los blancos ( que no queden manchas del escaneo…) y resaltar los negros… lo conseguimos desplazando las flechas… ( blanca, negra y gris ).

2º Atajos de teclado.

Bueno éste es un tema muy importante para facilitar nuestro trabajo.

El atajo más importante es aquel que nos permite utilizar el zoom, esto se consigue utilizando la teclas CONTROL + ( hace zoom ) y CONTROL - ( deshace el zoom ).

El resto de atajos los utilizaremos cuando tengamos una herramienta seleccionada, para ello haced lo siguiente: id a la ventana de herramientas y pinchad en la herramienta aerógrafo, veréis que el puntero ahora se ha transformado en un círculo… podéis colorear con el normalmente… Bueno pues si pulsáis la tecla ALT os saldrá una opción distinta, el cuentagotas, con el cual si pincháis sobre un color distinto al seleccionado este cambiará. Si pulsáis la tecla CONTROL podréis mover todo el lienzo o capa sobre la que estéis trabajando… La última tecla que utilizaremos será MAYS… os explico: si hacemos un punto con el aerógrafo, y a continuación pulsamos el MAYS y hacemos otro punto en un lugar distinto haremos una línea recta…. Estas tres teclas son las que utilizaremos en todas las herramientas, y con ellas obtendremos distintas opciones con cada herramienta… ( por ejemplo para hacer un degradado recto pulsaremos MAYS, para hacer una línea recta haremos lo mismo, con la herramienta sobreexponer con el ALT oscurecemos la imagen y con el MAYS aclaramos ).

Mención a parte tenemos la herramienta tampón, esta herramienta se utiliza para clonar imágenes, sus posibilidades son tentadoras verdad… podemos poner una cabeza de una persona en el cuerpo de otra entre otras lindezas… ( XDDDDDDD )… para utilizarla pulsamos ALT y pinchamos sobre una imagen… y ya podemos empezar a colorear con otro dibujo.

3º Hacer Deshacer

En este programa no podemos meter la pata… cualquier error que cometamos lo podemos solucionar ( sin necesidad de borrar con la goma y cargarnos el preciado papel… ), si la hemos pifiado nos vamos a las opciones de arriba… Edición, deshacer ( o rehacer si nos gusta como quedaba la supuesta pifia ) así que perded el miedo por utilizar este programa ok?.

4º Formas y transformaciones de selección

Las distintas formas de selección nos permiten modificar aquello que seleccionemos, colorear o hacer un degradado en el interior de una selección sin riesgo de salirnos de los bordes que nos marca.

Formas de selección:

Varita mágica: Nos permite seleccionar partes del dibujo que estén totalmente cerradas por líneas… ( importante que el área a seleccionar esté totalmente delimitada ).

Varita mágica:

Selección por marcos: es una selección rectangular, elíptica…

Selección por lazos: hay varios tipos de lazos:

A) Lazo normal: podemos dibujar la selección a pulso… supongo que será más fácil con una tableta gráfica ya que yo trabajo con un ratón óptico…

B) Lazo poligonal: nos permite dibujar la selección mediante anclajes rectos… es decir que si vamos pinchando con el ratón dejamos los puntos que irán acotando el área a seleccionar.

C) Lazo magnético: Es como el anterior mediante anclajes pero estos se ajustan automáticamente a los bordes del propio dibujo.

Para deseleccionar algo pulsamos fuera del lienzo ( en la parte gris ) o con la selección por marcos o de lazo normal una sola vez dentro del lienzo…

Bueno una vez que tengamos una selección realizada podemos como he dicho colorear y degradar en ella…

Pero además podremos transformarla: nos vamos al menú de arriba y pinchamos en edición, transformación o transformación libre. De esta forma podremos ensanchar, distorsionar, hacer una perspectiva… con el área seleccionada. Para que se efectúe dicha transformación pulsaremos enter.

5º Selecciones por gama de colores

Esta forma de selección la explico de forma separada por la importancia que tiene para crear distintas capas.

Si nos vamos a los menús de arriba veremos uno que se llama selección… dentro del cual hay una opción llamada selección gama de colores…

Mediante esta opción podemos seleccionar todo lo que tenga un determinado color… me explico, al utilizar esta opción nos sale un cuentagotas, si pinchamos con el cuentagotas sobre una zona en blanco se seleccionará todo lo blanco.

6º Duplicado de capas ( nuestros primeros pasos para dibujar con capas)

Bueno vamos por pasos, como ya he dicho la selección de gama de colores es fundamental. Cuando hablo de duplicado de capas me refiero a lo siguiente: tenemos un dibujo en blanco y negro, pues bien lo que haremos es crear varios planos superpuestos, un plano totalmente blanco y otro exclusivamente con los tonos negros. Para hacer esta haremos lo siguiente:

Vamos a selección gama de colores, pinchamos sobre una superficie en blanco. Ahora tenemos seleccionados todos los tonos blancos. Vamos otra vez a selección y le damos a invertir. Ahora tenemos seleccionados todos los tonos negros y grises.

Tras hacer todo esto nos vamos a edición y pulsamos sobre la opción cortar… y acto seguido sobre la opción…. pegar, ahora podemos pegar cuantas capas de negros como queramos… os recomiendo tres. Si os vais a la ventana de capas podéis ver las capas que habéis ido pegando. IMPORTANTE: para trabajar sobre una capa debe estar seleccionada dicha capa en dicha ventana.

7º Nos preparamos para el coloreado.

Para colorear os aconsejo que utilicéis una tableta gráfica, o en su defecto un ratón óptico.

Yo en la actualidad utilizo el segundo y se nota una diferencia abismal respecto al de bola de toda la vida, pero espero disponer de una tableta en breve…

Las herramientas que utilizaremos para colorear son el bote de pintura, el pincel, el aerógrafo y los degradados… Es importante decir que en herramientas como el degradado si pinchamos con el ratón sin soltar se nos desplegará un submenú con el cual podemos elegir varios tipos de degradados, esto pasa en todas las herramientas en cuyo icono hay una flecha en la esquina inferior izquierda.

8º Formas de coloreado

Una vez que tenemos el dibujo dividido en capas os voy a explicar las distintas formas de coloreado:

A) Coloreado con aerógrafo o con pincel: Bueno esta forma de dar color es recomendable para aquellos que tengáis una tableta gráfica, consiste en colorear sobre el dibujo sin más, respetando los bordes como si lo hicieseis en papel, can la única excepción de que los tonos negros siempre serán respetados. Los tamaños del pincele - aerógrafo se pueden cambiar en la respectiva ventana.

B) Degradados: Para colorear con degradados hay algún truco. Para hacer un degradado primero tenemos que tener un área seleccionada porque sino el degradado se aplicaría a todo el lienzo… pero hay un problema, si hacemos una selección y aplicamos un degradado es muy posible que queden imperfecciones ( dientes de sierra ) por ello os recomiendo que coloréis una zona y luego la seleccionéis, así estaremos seguros de que seleccionamos todo aquello sobre lo que queremos degradar. Para ver los distintos tipos de degradados pinchamos unos segundos sobre el icono degradado y elegimos el que queramos. Para configurar esta herramienta nos vamos a la ventana del navegador en la que os pondrá Opc. De degradado reflejado, aquí podemos configurar la opacidad del degradado, si queremos que se inviertan los colores… Hay degradados preconfigurados pero siempre podremos crear los nuestros si pinchamos en edición, aquí podremos cambiar el número de colores de que conste el degradado y los tonos… Veréis que os sale una barra de degradado con varias cajas… bien pues si pincháis sobre cada caja podréis configurar el color de ésta, y si pincháis bajo la barra en un lugar en el que no halla caja añadiréis otra… si pincháis sobre una caja y la bajáis ésta desaparecerá… pero siempre habrá tres colores. Podéis utilizar cualquier tipo de selección para colorear con degradados.

C) Bote de pintura: Esta herramienta la utilizaremos para grandes superficies, la particularidad que tiene es que sólo se puede aplicar a áreas cerradas, es decir que se aplica a zonas delimitadas por líneas sin ningún tipo de abertura. Como observaréis en el ejemplo las zonas cerradas por líneas pequeñas quedan en blanco… esta opción la utilizaremos básicamente para ahorra tiempo.

Por supuesto para lograr resultados más espectaculares os aconsejo que apliquéis todas las técnicas.

9º Las opciones ajustar…

Otras de las ventajas de este programa consiste en que una vez coloreado un dibujo, si el resultado final no nos convence podemos cambiar su color, contraste, brillo, saturación… esto se encuentra en la pestaña de imagen, ajustar.

TUTORIAL BY HUDSON

Perspectiva 2 (Nivel Medio)

2006-08-13T23:43:00.000+02:00

Este es el segundo tutorial de una serie de cuatro que tratará sobre la perspectiva. Si no has leído el primer tutorial, pasate por aquí para repasarlo.

En el anterior tutorial, hablé de la perspectiva con un solo punto de fuga. En este, explicaré lo que sé de la perspectiva con dos puntos a un nivel bastante elemental.

Las ilustraciones fugadas con dos puntos, tienen mucha mas profundidad, y son mucho más vistosas que las de un solo punto ya que nos muestran el escenario en tres cuartos,mientras que con un punto sólo podemos ver un frontal. Los elementos son los mismos que con un punto.

Linea del Horizonte

2 Puntos de Fuga

Lineas de Fuga

Figura 1

En la figura 1 podemos ver un boceto de lo que será un paisaje urbano. Podemos comprobar que no es necesario que la linea del horizonte se vea en la ilustración para tener en cuenta que está allí. En este caso, quedaría escondida totalmente tras los edificios, pero tenemos en cuenta la altura a la que está, y por lo tanto el punto de vista del espectador.Ya no hay lineas paralelas al horizonte, ahora fugan hacia un punto igual que las del otro lado.

Colocar objetos en perspectiva de dos puntos.

Imaginemos que queremos dibujar un ferrocarril que se aleja hacia el horizonte con todos sus travesaños, o que queremos dibujar el interior de un castillo medieval y tenemos que colocar cada una de las piedras de suelo y paredes. Para eso tenemos que saber dibujar objetos colocados a una distancia semejante unos de otros. Para eso, la técnica es distinta a la que se utiliza en la perspectiva de un punto.

Primero definimos la perspectiva y el punto de vista colocando el Horizonte y los dos puntos de fuga. Es importante tener en cuenta que estos puntos deberán estar lo mas separados posibles, para evitar deformaciones extrañas(Fig. 2). Despues, dibujamos en la parte inferior del papel un linea recta, paralela al horizonte, y la dividimos en segmentos iguales. Si a partir de estas marcas, tiramos lineas de fuga hacia los dos puntos, dividiremos la superficie en una cuadrícula perfecta (Fig. 3).

Figura 2

Figura 3

Por supuesto, el papel se nos acaba, y es muy dificil poder contar con una linea lo suficientemente larga para terminar toda la cuadrícula. Para eso hay un truco; cortamos la cuadrícula con una diagonal que pase por los cruzes entre las lineas de fuga, y está nos indicará los puntos donde deberemos colocar el resto de las lineas para terminar la cuadrícula (Fig. 4 y 5).

Figura 4

Figura 5

Un vez hecho todo esto, tenemos claramente indicados los lugares donde podemos colocar los elementos que queremos dibujar, sin que se nos deformen las proporciones.

El Triangulo de Tartaglia

Añadido por Yvon Wong.
Lo bueno de este metodo es que se puede dividir cualquier cosa, por ejemplo la fachada de un edificio en partes iguales. Con el otro metodo lo que se hace es, a partir de una medida que pones tu, conseguir otras iguales, pero sin un numero concreto de partes.

Bueno, primero una introduccion al triangulo de tartaglia.

Figura 1

Si queremos dividir una linea A en partes iguales (en el ejemplo lo divido en 5), lo que se hace es trazar una linea cualquiera B, de la longitud que se quiera, y se divide en 5 partes iguales. Se coge el extremo de la linea B y se une con el extremo de la linea A, hallando el punto X. A esa linea C le hacemos paralelas segun los puntos en los que hemos dividido la linea B y asi dividimos la linea A en 5 partes.

Ahora pasamos a una perspectiva. La base de la perspectiva, como bien explico Beni, se basa en que las lineas que son paralelas, en perspectiva se unen en un punto en la linea del horizonte.

Figura 2

Dado un rectangulo (en este caso en rojo), queremoms dividir uno de sus lados en cinco partes iguales. Hacemos lo mismo que antes, trazamos una raya B y la dividimos en 5 partes (aqui es importante que la raya sea paralela a la linea del horizonte, que es el unico caso en que la medida coincide con su medida real), unimos el extremo de la linea B con el extremo de la linea A hallando otra vez X. Como queremos hallar el punto de fuga de esa linea continuamos la linea C hasta la linea del horizonte, hallando nuestro punto de fuga Y. Ahora, en vez de hacer paralelas a C hacemos lineas con punto de fuga en Y y que lleguen hasta las partes en que hemos divido la linea B (la negra), que dividiran a la linea A en 5 partes.

Personajes en Perspectiva de Dos Puntos

Para colocar personajes en una perspectiva de dos puntos, debemos tener en cuenta las partes del cuerpo que quedan a la misma altura. Es decir, los ojos, los hombros, las manos, las rodillas, etc... quedarán unidas por lineas que fugarán hacia el horizonte.

Aunque tal vez parezca complicado, podemos imaginarnos al personaje encajado dentro de una caja en perspectiva. También es importante la construcción de la figura, a partir de formas sencillas.

Personaje encajado

Construcción a partir de formas simples

Bueno, esto es muy sencillo cuendo el personaje está en una posición estática, con todo el cuerpo rígido y en paralelo. Pero cuando la figura esta en acción, esto no es así. Entonces tenemos que buscar un elemento que esté en paralelo a la perspectiva que nos interesa.

En el caso del personaje de abajo, el elemento son las piernas, que al estár corriendo, se mantienen paralelas al suelo, y la cabeza, que mantiene la vista firmemente hacia delante. Con esto, podemos trazar la perspectiva necesaria para que la figura este claramente asentada en el suelo, y en el caso de haber mas figuras en la escena, que no se produzcan desproporciones.

Cómo Construir Un Objeto En Perspectiva de Dos Puntos

Para poner un ejemplo de como construír un objeto mas o menos compicado en una perspectiva de dos puntos, voy a intentar explicar la construcción básica de una escalera. Lo primero que tenemos que hacer, es dibujar un cuerpo cúbico en perspectiva, tal y como aparece en la figura 6.

Figura 6

Une vez tenemos construida la figura, dividimos uno de sus lados en parte iguales, de la altura que queramos que tengan escalones cada una. Hay que tener en cuenta que uno de los lados sólo esta fugado hacia un punto, por lo que para dividirlo sólo tenemos que medir la linea vertical que hace de esquina de la figura, y marcarla, dividiéndola en partes iguales. Desde cada una de las marcas, partirá una linea hacia el punto de fuga.

Figura 7

Una vez hecho esto, determinamos el ancho que tendrá el primer escalón, y allí dibujamos la primera sección con una linea vertical. Dibujando una linea diagonal, que pase por las dos esquinas de la primera sección, nos quedarán marcados, los puntos donde debemos dibujar el resto de secciones para que estén a la misma distancia las unas de las otras.

Figura 8

Hasta aquí, sería el sistema que podríamos utilizar para dibujar las ventanas de un edificio, los azulejos en una pared, o un montón de cajas apiladas.

Figura 9

Pero en este caso, lo que nos interesa dibujar es una escalera, asi que, una vez terminada la cuadrícula, ya tenemos claro donde irá cada escalón, y sólo tenemos que dibujar el perfil, para empezar a construirlos.

Figura 10

Ya empezábamos a olvidarnos de que hay un segundo punto de fuga, pero ahora es cuando entra en acción. Desde cada uno de los vértices de los escalones, tiramos lineas hacia el punto de la izquierda y la escalera empieza a coger forma. Debemos tener en cuenta que en el otro extremo de la escalera deben coincidir las lineas que estamos tirando ahora con las que fugarán hacia el otro punto y las lineas verticales(Fig. 11.2).

Figura 11.1

Figura 11.2

Después sólo queda borrar las lineas de construcción, y quedarnos con las que nos interesan. También puedes pasarlo a limpio, calcando el resultado en una hoja nueva, y evitar el estropicio que accidentalmente puede hacer una goma de borrar.

Figura 12

Después de construír esta escalera, lo mejor es intentar dibujar otros objetos en perspectiva. Es importante tener en cuenta los elementos principales, la linea del Horizonte, los punto de fuga, y las lineas de fuga. Antes de ponerte a dibujar, procura comprender la forma básica del objeto en cuestión. Por ejemplo, esta escalera está construída a partir de la forma cúbica inicial. Pero cada objeto tendrá una forma básica diferente. Si tienes dudas, puedes leer el tutorial de Formas Básicas y Construcción para hacerte una idea mas clara del tema.
Cuando tengas varios objetos dibujados, prueba a dibujar alguna escena mas compleja, como el interior de una habitación amueblada, o un paisaje urbano. Y ante todo, diviértete experimentando.

Hasta la próxima!

Tutorial por Beni R. Lobel

Perspectiva 1 (Básico)

2006-08-12T23:28:00.000+02:00

La perspectiva es la técnica que nos permite recrear un efecto tridimensional en un medio bidimensional como es una hoja de papel, y nos permite crear la ilusión de profundidad y espacio. Su importancia es tal, que, aunque al principio parezca un tanto complicada, en cuanto la comprendemos y le cogemos el truco nos parece imposible haber podido dibujar antes sin conocimientos de perspectiva.
Para comprender la perspectiva, debemos empezar asimilando una serie de conceptos bastante sencillos, pero imprescindibles.

Linea del Horizonte

Punto de Fuga

Lineas de Fuga

La Linea del Horizonte es el término mas sencillo de comprender, es simplemente lo que su nombre indica. En toda escena debe haber un horizonte, que se encuentra a la altura del observador de la escena. Cuando el observador se sitúa en un punto elevado, la Linea del Horizonte subirá con él, y cuando el observador se encuentra en un punto de vista menos elevado, la Linea Del Horizonte bajará con él (fig. 2 y 3).

El Punto de Fuga es un punto imaginario en el horizonte, que nos servirá de referencia para construir la perspectiva. Cuando observamos, a lo largo, las vías de un tren, tenemos la sensación de que ambos raíles se van acercando el uno al otro a medida que se alejan, para confluir en un punto del horizonte; este punto es el Punto de Fuga.

Las Lineas de fuga son todas aquellas lineas que nos servirán para construir los objetos que aparecen en nuestro dibujo, y que indican los lados que se dirigen hacia el horizonte, para confluir en el Punto De Fuga.

Para comprender claramente estos conceptos lo mejor es echar un vistazo a la figura 1, donde podemos observarlos perfectamente.

Figura 1

En las figuras 2 y 3, podemos comprobar la diferencia entre un punto de vista alto, y uno bajo, y como el horizonte acompaña al observador situándose arriba o abajo según el punto de vista.

Figura 2

Figura 3

En estos ejemplos, estamos viendo una perspectiva simple, con un solo punto de fuga. Todas las lineas que se alejan del observador, confluyen en el punto de fuga, mientras que las demás se mantienen paralelas o perpendiculares al horizonte.

Colocar objetos en perspectiva

La complicación viene cuando queremos colocar varios objetos o personajes en perspectiva, y no queremos que haya fallos en las proporciones, o que nos queden personajes flotando en el aire o incrustados en el suelo. También es posible que queramos colocar varios objetos del mismo tamaño separados por la misma distancia unos de otros, como podrían ser las ventanas en una fachada, las baldosas en un suelo, los travesaños de una vía, o los postes de la luz, que se alejan junto a una carretera...
Empecemos con un ejemplo sencillo de la técnica que se utiliza para conseguir esto.

Si dibujamos una figura cuadricular, y trazamos dos lineas que unan sus esquinas, encontraremos el centro exacto del cuadrado.(Fig.4.1) Una vez conocemos exactamente el centro, podemos dividir el cuadrado por la mitad, y si trazamos dos lineas que partan de las esquinas hasta el punto central del extremo contrario del cuadrado, podemos alargar estas lineas hasta que nos indiquen exactamente donde terminaría otro cuadrado del mismo tamaño exacto (Fig. 4.2).

Figura 4.1Figura 4.2

En principio todo este trabajo es absurdo cuando lo hacemos en una figura sin perspectiva, ya que nos costaría menos medir los lados del cuadrado y simplemente copiarlo al lado. Pero esta técnica es la que se debe usar cuando queremos conseguir el mismo efecto pero en perspectiva, ya que en este caso se nos deforman los lados, y el centro real, no coincide con el centro en perspectiva. Por lo que dibujamos un cuadrado fugado, utilizando los conceptos de Linea Del Horizonte, Punto de Fuga y Lineas De Fuga y aplicamos los mismos pasos que en el cuadrado en plano.
Es decir; trazamos las dos lineas que unan las esquinas para encontrar el centro en perspectiva de la figura (Fig. 5.1), y despues trazamos las dos lineas que nos indicarán donde termina el siguiente cuadrado (Fig. 5.2) Esta técnica se puede aplicar tantas veces como sea necesario hasta conseguir toda una serie de cuadrados en perspectiva, como podrían ser las baldosas de un suelo.

Figura 5.1Figura 5.2

A continuación podemos ver una sencilla escena en perspectiva, en la que hemos colocado a varios personajes deambulando por el escenario.

Figura 6

Si nos fijamos, todos dan la sensación de estár perfectamente asentados, y ninguno está flotando en el aire, o hundido en el suelo. La manera de hacerlo es, una vez tenemos dibujado uno de los personajes, utilizarlo de guia para que, tirando lineas de fuga y lineas paralelas al horizonte, todos los demás personajes queden a la misma altura.

Podemos verlo a continuación marcado con lineas de color verde(Fig. 7). También podemos ver, marcado de color rojo, como hemos seguido el sistema para colocar los postes de la luz a la misma distancia unos de otros.

Figura 7

Para que estos conceptos queden claros, aconsejo hacer algún ejercicio. Uno que puede ir muy bien, es intentar dibujar una calle en perspectiva, y procurar colocar todos los elementos de mobiliario urbano posibles, varios personajes paseando, y no olvidarse de dibujar los detalles de las fachadas. Es importante repetir el ejercicio varias veces, dibujando diferentes escenarios, para que no queden dudas.

Puedes continuar con la segunda parte del tutorial AQUI .

Tutorial por Beni R. Lobel

Formas básicas y construccion.

2006-08-11T20:31:00.000+02:00

Antes de intentar cosas más complicadas debes aprender el armazón en el cual todas las cosas se construyen. Arriba hay 4 formas basicas, podemos crear tantas formas como necesitemos combinando 2 o mas de las de arriba.

Tutorial copyright por Patrick Shettlesworth - Traduccion : Savior

Dibujo de Manos

2006-08-11T14:15:00.000+02:00

PROPORCIÓN:

Una de las cuestiónes a definir antes de dibujar una mano es la proporción de esta con respecto a la cara. Una mano mas pequeña puede hacer ver a nuestro personaje como si estuviese desnutrido, una mano mas grande que su cara lo puede hacer ver como una caricatura, como un simio o un ser muy rudo.

Para comenzar debemos tener en cuenta la proporción del cuerpo humano respecto a la cantidad de cabezas que constituyen su altura. tenemos en este esbozo el dibujo de una cabeza, una mano y un pie; comparando la longitud de estos. De esto concluimos lo siguiente:

1) si empuñamos la mano, la altura desde donde terminan la muñeca y hasta donde terminan los nudillos, es igual a la altura desde donde empieza la barbilla hasta la punta de la nariz

2) si abrimos la mano, la longitud desde donde terminan la muñeca y hasta donde termina el dedo del medio, es correspondiente desde donde empieza la barbilla hasta la mitad de la frente.

NOTA: No quiere decir que las manos alcanzen siempre esta misma longitud comparada con el rostro, existen en la vida real muchas diferencias debido al caracter genetico. otras son debidas al maltrato por el oficio o los deportes que hacen que la mano engorde o se alargue.

NATURALEZA DE LA MANO:

Para aprender a dibujar una mano, lo que debemos hacer es aprendernos sus partes. la ilustración aqui arriba nos muestra como se llama cada una de las partes del dibujo de una mano. Si pudieramos ver a traves de la piel como si fuese una radiografia podremos observar los huesos que existen en este, el carpo, el metacarpo y las falanges. Los huesos definen la forma, la proporción y la naturalidad de una mano.

En muchos dibujos del cuerpo humano para hacer un esbozo de una pose complicada siempre es bueno basarse en la posición de los huesos.

Ahora yo mensiónaba las razones de las diferencias en las manos, para empezar existe una gran diferencia en la mano de un hombre a la mano de una mujer, para empezar los hombres tienen la mano mas larga, los dedos son mas gruesos, los nudillos son mas notorios en un hombre al igual que los tendones. Por el contrario en una mujer, las manos son un poco mas cortas, son muy delgados en los dedos, no se notan los nudillos ni los tendones, el dedo indice es de igual longitud que el dedo anular.

Esto es debido a que los hombres ejercen trabajos que requieren mucho esfuerzo, mas que las mujeres. Por otra parte un deporte puede deformar la mano y no solo sino tambien el cuerpo, si ha tenido la oportunidad de comparar su mano con la de un jugador de baloncesto, vera que aunque usted y esa persona tengan la misma estatura, la longitu de la mano de esa persona supera la suya.

Podemos observar en esta imagen que cada una de los movimientos de la mano afecta la geometria del brazo. debido a la tensión producida. al tomar la mano derecha y al realizar un movimiento es esa dirección, el brazo produce una contracción en esa dirección. Si efectuamos el movimiento en el sentido contrario, el esfuerzo se produce en sentido contrario.

Podemos ver claramente la descripción del pulgar. que realiza un movimiento conico para sujetar objetos, este a su ves produce una denotación muy clara en los pliegue de la mano. a continuación observamos 2 manos, la primera esta contraida, denotando los pliegues en la palma, la segunda se encuentra extendida generando todo lo contrario, pero este a su ves denota los plieguies interfalangicos y los metacarpicos y la tensión de los tendones

PASOS PARA EL DIBJO DE UNA MANO:

1) Lo primero es dibujar figuras geometricas simples para definir la forma, un obalo y un dedo, parecido a un guante de cocina o al guante de un muñeco de navidad.

2) Luego incluimos las lineas separadoras de cada uno de los dedos y la linea que separa la palma de los dedos y el semicirculo que define el musculo del pulgar.

3) Ahora incluimos los cilindros que determinan las fanages de los dedos

4) finalmente organizamos el boceto para proceder a detallar el dibujo

Estas son poses muy comunes a la hora de dibujar las manos en poses mas complejas. Siempre debemos tratar de dibujar lo que nos paraezca dificil en base de las figuras geometricas para facilitar el trabajo y que nuestro boceto sea lo mas preciso posible

Cuando ya captamos el conocimiento basico de como dibujar una mano podemos usar variciónes para lo que necesitemos, como extremidades de animales, extraterrestres o demonios Etc.

Espero que este tutorial halla sido lo suficiente completo para la comprensión de su dibujo. siempre se necesita bastante practica para empezar a dibujar una mano, pero no desespere porque se necesita algo de paciencia. aproveche al maximo las obsevaciónes que se concluyan para perfecciónar su dibujo. Si tiene alguna inquietud puede remitirlo a la sección del foro que ya esta disponible para que le respondamos

Mas informacion:

[ Braulio Madrid ]

Construcción de la Cabeza Masculina (Básico)

2006-08-11T11:41:00.000+02:00

Tutorial copyright por Patrick Shettlesworth - Traducción : FallenANGEL

Vista ¾: Paso 1- El ovalo

Dibuja un circulo. El círculo es la base de la cabeza en todos los ángulos de
visión. No tiene por qué ser un círculo perfecto como este. Una forma ovoidal te
servirá perfectamente. Define la cara marcando la parte alta de la cabeza, la barbilla y
la línea de los ojos, que deberá estar situada mas o menos a la mitad de los dos puntos
anteriores.

Vista ¾: Paso 2- la barbilla

Añade la barbilla y la línea de la mandíbula. Las caras masculinas no son tan
redondeadas, ni tienen la forma de corazón que tienen la femeninas. Puede haber más
variaciones permitidas para las caras masculinas que para las femeninas. Yo aquí pongo el
tipo básico. Haz los ángulos mas marcados y la barbilla cuadrada, no afilada.Por ahora,
haz algo más o menos como lo que ves aquí.

Vista ¾: Paso 3- Las divisiones faciales

Aquí he definido los planos de la cara. Esto me ayudará a mantener los rasgos juntos
y ajustados.Observa como la línea de la mandíbula coincide con la línea vertical de la
oreja.

Vista ¾: Paso 4 - Esbózalo!

Aquí he colocado los rasgos de la cara usando las mismas reglas que has aprendido en
mis otros tutoriales sobre la cabeza. Los ojos están aproximadamente a "un ojo"
de separación. El final de la nariz se sitúa a la mitad de la línea entre los ojos y la
barbilla. La boca está una tercera parte más abajo de la nariz que la línea que une el
final de ésta con la barbilla. La oreja se sitúa entre la línea de las cejas y la de la
nariz (verticalmente)

Vista ¾ : Paso 4- ESTA cara masculina

Los pómulos y la mandíbula son lo que realmente te va a ayudar a diferenciar a tu
personaje de otros personajes masculinos que crees. Esto también ayuda a definir tu
personaje como CLARAMENTE masculino si tienes problemas con que tus hombres parecen
demasiado "femeninos"

Vista ¾ : Paso 5- Aclarándolo

Ahora puedes empezar a borrar las líneas de ayuda y concentrarte en detallar las
facciones. Los ojos masculinos no son ni tan grandes ni tan "chispeantes" como
los femeninos. Son más cuadrados que almendrados, y las pestañas no son tan densas. Haz
las cejas fuertes y oscuras. La nariz no debe ser respingona como en el caso de las caras
femeninas. Hazlas más en forma de cuña.

Vista ¾: Ya lo tienes!!!

Esta es una versión acabada (aunque reconozco que un poco sucia).

Aguadas

2006-08-06T20:24:00.000+02:00

Se utiliza generalmente combinada con dibujos a pluma. Los efectos que se consiguen son variados. Unas veces, se refuerzan simplemente las sombras, otras, el pincel añade detalles en las partes oscuras. La aguada aporta al dibujo nuevas calidades luminosas y cromáticas.

A partir de la Edad Media, se trata el papel destinado a la aguada glaseándolo con cola o con alumbre. Una fórmula fechada en 1745 recomienda la cola blanca (hervida o disuelta en agua de lluvia) o la cola de pescado. El glaseado se aplicaba con una esponja o se sumergía el papel en un baño de cola.

Los artistas comenzaron utilizando la aguada para dar más veracidad y vida al dibujo, ya que completaba la representación lineal al añadir el juego de luces y sombras, que representaba mejor el modelado. Por medio de un pincel que mojaban en una solución teñida, pálida y transparente, o en agua pura, distribuían una parte de los pigmentos presentes en el dibujo. Algunas veces reforzaban el efecto de sus aguadas, o aumentaban su atractivo, repasando el pincel húmedo sobre algunas partes del dibujo, secas o no.

Encontramos numerosas indicaciones sobre esta técnica en el famoso tratado sobre la pintura de Cennino Cennini, fechado en 1437: "Recubrid los lugares escogidos con una aguada muy diluida (dos gotas de tinta en una cáscara de nuez de agua), de manera que los bordes no sean ni demasiado tajantes, ni demasiado intensos. Añadid lentamente la tinta, gota a gota. Cuado trabajéis con un papel preparado exprimid parcialmente el líquido del pincel, que sólo debe estar húmedo a medias, con objeto de no dañar la capa inferior. Continuad hasta que obtengáis sombras que floten como el humo". Consejos similares dan los tratados holandeses y alemanes de la misma época.

En el Renacimiento, el pincel de corte recto fue sustituido por un pincel puntiagudo. La ejecución minuciosa de las transiciones entre los tonos medios y las partes directamente iluminadas se hace gradualmente más difuminada, al manejarse el pincel con mayor independencia y autoridad. Una atención creciente se concedió a los valores plásticos hasta que finalmente la utilización sin trabas del pincel puntiagudo se convirtió en norma.

Entre los italianos, Guercino (1591-1666) fue el gran maestro de la aguada, pero una vez más es Rembrandt quien la lleva a la perfección. La libertad con al que consigue colocar en el lugar adecuado los toques de aguada y la manera que tenía de graduar su aplicación hasta la saturación no han podido ser igualadas. Claude Lorrain fue el único en acercarse a su maestría. Como Rembrandt, comenzaba por esbozar a la pluma las líneas esenciales del paisaje, luego terminaba su dibujo a la aguada. En los siglos XVII y XVIII, la aguada continuó siendo apreciada por sus cualidades lumínicas. En el siglo XIX, también se utilizó, aunque más para representar el modelado que como medio de expresión.

La clave de una buena técnica de la aguada reside en una buena estimación del reparto de la luz en el dibujo, que debe ser enseguida plasmada con una aguada más o menos diluida. Al poseer una amplia gama de tonos, el éxito dependerá de una evaluación y de una comparación meticulosas de sus matices, observados en el tema y en todo el dibujo. Por consiguiente, conviene actuar prudentemente aumentar la intensidad tonal de tal o cual parte sólo tras una detenida reflexión.

Todos los matices de pardo, nogal, bistre, índigo, caolín verde, tinta neutra, sanguina, negro de carbono, son apropiados para la aguada, así como la acuarela parda, los diferentes colores de gouache y la tierra de Siena. Se puede aplicar sin problemas en los dibujos a lápiz y a pluma y con precaución sobre el pastel, la tiza y el carboncillo.

La aguada es una técnica acumulativa, se comienza por aplicar capas pálidas y transparentes, añadiendo capa sobre capa -sin perder nunca de vista el conjunto del dibujo- hasta obtener los tonos más oscuros. Es difícil rebajar la intensidad de un tono aplicado ya sobre el dibujo, por lo que el exceso de tinta habrá siempre que evitarlo. La aplicación de capas sucesivas, gradualmente más oscuras, pero siempre transparentes, produce ese efecto de sombras aterciopeladas. El procedimiento requiere mucha paciencia, ya que hay que esperar que una capa se seque antes de aplicar la siguiente.

PREPARACIÓN DEL PAPEL:

Hay centenares de papeles excelentes en el mercado. Lo más recomendables son los papeles de acuarela. Yo siempre estoy probando papeles nuevos, hay unos que uso constantemente, pero experimentar con papeles diferentes es una buena manera de mantener el trabajo interesante y excitante.

La principal diferencia entre ellos es la densidad del papel, que se mide en gr./m². A mayor gramaje, mayor capacidad para soportar cargas de agua. A partir de 130 gr./m² se puede trabajar con acuarelas, pero se corre el riesgo de romper el papel, con papeles de 240 o superior se trabaja muy bien. La otra diferencia es la textura de la superficie que puede ser lisa o rugosa. Cada una de estas dos cualidades dejará un acabado distinto (al gusto de cada uno).

Tensado del papel.

El papel antes de usarlo hay que estirarlo, para que pueda soportar los lavados con agua sin deformarse. La manera más fácil de hacer esto es como sigue...

Primero se rocían ambos lados de la hoja y se deja que absorba el agua durante un minuto. Se irá notando la hinchazón del papel.

Luego se pega el papel a una tabla rígida con cinta de papel adhesivo o a un bastidor como en los lienzos para óleo.
Una vez seco el papel se encogerá a su tamaño original y quedará una superficie firme ideal para trabajar después. El proceso de secado tiene que hacerse en posición horizontal y despacio para que no seque antes por algún lado, creando tensiones en el papel, que pueden romperlo o deformarlo.

Cuando su trabajo se termine y esté completamente seco, se corta alrededor del centro de la cinta para quitarlo de la tabla o del bastidor.

Si se planea trabajar muy húmedo, se empapa el papel en una tina de agua durante quince minutos y entonces se estira encima de una tabla rígida, sujeta con grapas alrededor del borde.

EJEMPLOS:

FAROL DE ÚBEDA (FASES DEL DIBUJO)

Aquí tienes un ejemplo del proceso de realización de un dibujo mío. Como es lógico existen multitud de formas de realizar un cuadro, esto es solo un ejemplo de como he realizado uno de los que tengo expuestos.

El primer paso ha sido realizar el dibujo completamente a lápiz. Un dibujo sólo con líneas de contorno sin sombreados. 1

Después se pasan todas las líneas con plumilla y tinta. 1 - 2 (detalle)

12

En la tercera fase se comienza a sombrear con pincel y sucesivos lavados de tinta, 3 hasta conseguir la tonalidad deseada para cada zona del dibujo.

Por último, el acabado con algunos retoques nuevamente de plumilla en algunas zonas. 4 (Dibujo final)

34

Ilustraciones con óleo Paso a Paso por Luís Serrano.

2006-08-06T20:00:00.000+02:00

Voy a empezar la serie de tutoriales que quiero dedicar a las ilustraciones hechas con óleo, partiendo con un clásico ya....jejeje, mi Terminator 2 y repasando los principales pasos que he dado durante su elaboración. Para empezar, debo indicar que esta ilustración es todo un reto, puesto que todos los tonos son azulados con la consecuente dificultad para obtener todas las tonalidades, contrastes y brillos de la ilustración. Es importante destacar, que a pesar de ello, hay que tener en cuenta el azul, la forma de pintar, las pinceladas e incluso la forma de fundir los tonos, según la parte que estemos pintando.

Pero bueno, voy a empezar con lo interesante y dejarme de rodeos. Trataré de hacer esto como un tutorial . Aunque para esta ilustración aprovecharé lo ya escrito en el foro. En próximos trabajos trataré de explicar mejor cada uno de los pasos.
El tamaño elegido para esta ilustración es de 70x50 cm. En este caso trabajo con un cartón prensado entelado hecho a medida. Normalmente suelo trabajar con lienzos en bastidor, pero he notado que este tipo de soporte viene muy bien para hacer ilustraciones por su rigidez, que permite la realización de los detalles con mayor facilidad.

Los colores utilizados para esta ilustración son más o menos los de siempre, con la inclusión en este caso del negro marfil para agilizar el trabajo de los tonos oscuros. El resto de colores utilizados son:

Blanco Titán

Amarillo Cadmio

Ocre amarillo

Tierra siena tostada

Rojo Cadmio

Azul de Prusia

Azul Ultramar

Negro Marfil

En todos los casos, la marca utilizada es Titán, que siempre me ha dado muy buenos resultados. Pero no recomiendo empezar con ellas para practicar, puesto que son muy caras y hay muchas más marcas más asequibles que vienen muy bien para empezar con el óleo.
Lo primero que debemos hacer es el boceto más o menos exacto de lo que vamos a pintar, ya que sin esto, siempre corremos el riesgo de no encajar bien el trabajo en nuestro lienzo u obligarnos continuamente a la corrección de nuestro dibujo. Yo suelo dedicar un buen rato a este proceso, con continuas revisiones para dejarlo exacto, puesto que esto me facilitará mucho el trabajo con la pintura.

Para el boceto se suele utilizar una barrita de carboncillo o un lápiz de mina dura procurando no marcar en exceso para que luego no se nota al pintar encima. En ambos casos, una vez realizado conviene eliminar algo del sobrante de grafito o carboncillo para que no manche la pintura en los pasos posteriores.

En este boceto inicial, he marcado ciertas zonas de la cara y ropa para delimitar los diferentes tonos. No suelo hacerlo, pero debido a que este tema tiene mucho contraste y es fácil perderse, me ha parecido la mejor opción.

Una vez terminado el boceto inicial, y tras mirarlo y remirarlo unas 50 veces más o menos....le hago la foto y continuo con el siguiente paso.

En esta segunda sesión comienza la fase de manchado, que como ya comenté en alguna ocasión, consiste básicamente en delimitar las diferentes zonas de color y de luz/sombra con óleo muy diluido.

Esto nos permitirá hacernos una idea de la ilustración en conjunto y facilita el agarre del óleo al lienzo/tabla. Además de evitar que con el tiempo el óleo se agriete. Esta sesión me ha llevado aproximadamente una hora.

Aquí comienza lo interesante, empezamos el proceso de detallado y definición de la ilustración. Como siempre empiezo por el fondo y siempre de atrás hacia adelante. En este caso, el fondo es muy sencillo y para que no quedase demasiado monótono, he decidido hacer un degradado desde un azul prusia muy oscuro mezclado con algo de bermellón, hasta llegar a un gris azulado en la parte izquierda superior. En esta fase las complicaciones son mínimas debido a la sencillez de este fondo. Por hoy simplemente eso, porque mañana cuando ya esté casi seco el fondo empezaremos con el careto de Termi, todo un reto.

Esta sesión ha sido muuuy gratificante, ya que la he dedicado por completo al trabajo con la cara del CHUACHE. En total han sido unas 4 horas más o menos dedicándome a ello. La mayor complicación, lógicamente, es obtener un parecido con el modelo, pero para colmo en este retrato, al trabajar casi todo con tonos azulados, la cosa se complica aún más. Además al tener tantas sombras en la cara, hay que andar con mucho más cuidado para que no parezca un manchón oscuro. En total, solamente en la cara hay más de 20 tonos diferentes de azul, así que podeis haceros una idea del trabajo que lleva. La forma de trabajar es, por supuesto, en fresco, consiguiendo que los tonos se fundan entre sí y evitando los típicos cortes o escalones en los tonos. Probablemente, una vez seco sea necesario dar algún nuevo punto de luz, ya que el óleo a medida que seca tiende a agrisar y a oscurecer, especialmente al tener tanto tono oscuro alrededor.

Esta sesión ha estado dedicada a la zona del cuerpo, especialmente la camiseta y cazadora. El proceso estuvo dividido en dos partes. Primero hice lo que es la camiseta y la parte izquierda y una vez seco la parte derecha, en la que como se puede observar aún falta detallado como son las cremalleras y brillos en determinados puntos que los añadiré en sesiones posteriores. La dificultad como siempre estuvo en trabajar sólo con tonos azules.

Como podreis ver la he dedicado al pantalón, detallado de cremalleras y broches y empezado a trabajar el arma para ver si la remato en próximas sesiones. Sobre dificultades y métodos, no hay nada que destacar, puesto que el proceso es prácticamente el mismo que para la cazadora. Lo único, es que como podreis ver he dejado por hacer el cinturón que lo añadiré mañana y que es de lo poco con algo de color y he aplicado algún punto de luz en la cazadora que se había apagado..

Esta sesión ha estado dedicada en exclusiva a las manos y arma. El proceso para las manos ha sido prácticamente el mismo que para la cara. En total han sido más de 3 horas de trabajo

Me he dedicado prácticamente al trabajo en exclusiva de la moto, en la que como podréis ver he detallado el manillar, al que le falta algún punto de oleo blanco para simular los destellos. A continuación he seguido con el retrovisor que no ha presentado demasiadas complicaciones y que he dejado aún sin la sujeción al manillar que añadiré posteriormente.

Tras esto he comenzado con lo que sería el frontal de la moto, en el que podeis comprobar que solo he emborronado lo que es el fondo del faro para así facilitarme el trabajo posterior con el cristal que lo recubre. Asimismo también faltan las correspondientes luces y destellos en el faro que serán añadidas en la próxima sesión.

Después ha venido el trabajo del depósito de gasolina que no ha tenido demasiadas dificultades. Lo único que he dejado sin hacer ha sido el logo que lo añadiré después.

En definitiva, ya solo queda la mano que sujeta el manillar, la sujeción del retrovisor y detallado de faro y depósito, que espero poder terminar en la próxima sesión.

Por fin, el Terminator totalmente acabado. En total han sido algo más de 20 horas de trabajo, pero creo que ha merecido la pena...ahora ya estoy pensando en el próximo (ya tengo varias ideas pero se aceptan propuestas).

Espero que todo el proceso os haya gustado y sobre todo que os guste el resultado final.

Bueno pues ahí queda eso...espero que os guste.

Tutorial por Luís Serrano